Analisei o entusiasmo em torno das exposições de arte imersiva e expliquei porque é que não sou fã.
Há uns meses atrás, estava num encontro e, como o tipo estava a tentar meter conversa e a mostrar interesse, acabámos por falar um pouco sobre arte. Curiosamente, uma das primeiras coisas que ele perguntou foi sobre as exposições de arte imersiva que estão na moda neste momento e, enquanto eu falava educadamente sobre isso, ele disse-me “Oh, você é um bocado tradicional”.
Verdade seja dita, costuma dizer-se que os historiadores, curadores e críticos de arte são tradicionais, rígidos e presos às tradições da arte erudita para mudar e modernizar pontos de vista, e essa é uma crítica que compreendo e aceito, pois tende a ser verdadeira. E pode chamar-me antiquado o quanto quiser, mas não gosto nem compreendo as exposições de arte imersiva e vou explicar porquê.
Antes de mais, o que é uma exposição de arte imersiva? É normalmente uma experiência interactiva que utiliza tecnologias como a RV, a holografia e a projeção digital para criar ambientes artificialmente construídos, muitas vezes multissensoriais, que permitem ao espetador entrar na obra de arte e tornar-se um protagonista da mesma. Aqui, já não se trata apenas de olhar passivamente, trata-se de experimentar a obra de arte que é simultaneamente o espaço à volta do visitante, que se torna parte integrante da ativação da instalação.
Nos últimos anos, este tipo de exposição tornou-se um sucesso de bilheteira, reunindo milhões de visitantes em todo o mundo e estando patente em cidades da Europa, Ásia e América do Norte. Bem, olhando para a descrição, parece uma coisa muito divertida e interessante para ir ver. Então, porque é que eu não gosto deles? Para esclarecer as coisas, não tenho qualquer tipo de problema com exposições de arte imersiva concebidas por artistas que utilizam tecnologia dos novos media para criar e exibir as suas obras. O meu problema é com este novo conceito de exposições imersivas que são basicamente espectáculos de projeção histórico-artística de grande formato que pretendem reapresentar o trabalho de artistas há muito falecidos. As obras de arte escolhidas são geralmente pinturas, aqui retiradas do seu contexto para serem apresentadas como obras de arte interactivas num contexto tecnológico forçado, vendidas como sendo entusiásticas e alegres.
A lista de exemplos é longa: “Van Gogh: the Immersive Experience” (“Van Gogh: a experiência imersiva”), “Frida: Immersive Dream” (“Mergulhe na arte e na vida de Frida!”), “Immersive Klimt Revolution” (“Entre no seu mundo eletrizante e deixe-se levar!”), “Imagine Picasso: The Immersive Exhibition” (“Entre literalmente no mundo e nas obras do mestre da arte moderna”), “Beyond Monet” (“Torne-se um com as suas pinturas”), “Monet by the Water” (“Passeie livremente num mundo moldado pela arte de Claude Monet”), “Claude Monet, The Immersive Experience”, “Gaudí: o Arquiteto do Imaginário”, “Chagall: Sonhos de Uma Noite de verão” e “Dalí: O enigma sem fim”.
Escolho um texto promocional de “Claude Monet, The Immersive Experience” para analisar o que é prometido e o que é efetivamente entregue aos visitantes. Assim, segundo os promotores, “é uma exposição de arte digital única. As obras-primas de Claude Monet são literalmente animadas sob os seus pés e a 360° à sua volta. Digitalizámos mais de 300 pinturas e esboços do artista e criámos uma exposição única, levando o visitante através de Monet e da sua viagem para compreender melhor o impressionismo. Uma experiência de imersão inesquecível já apresentada em Barcelona, Bruxelas e Turim” (corrigi, mas até havia palavras mal escritas neste excerto publicado no sítio Web da exposição).
A primeira coisa que eu gostaria de destacar são as palavras “exposição de arte digital” e “digitalizada”. Bem, numa exposição de arte digital deve ser exposta arte digital, caso contrário é apenas uma exposição digital. Mas aqui não se vê arte digital, apenas a projeção de pinturas digitalizadas de artistas conceituados, conhecidos por atraírem multidões onde quer que as suas obras sejam expostas. Assim, estas exposições carecem da coisa mais básica – a verdadeira obra de arte física – pois cobram-lhe para ver a exposição de pinturas que não existem, apenas reproduções digitais em grande escala numa parede de um espaço vazio qualquer onde a exposição está instalada. As paredes de tijolo são agora a superfície em que se vêem as obras-primas de Frida Kahlo, Vincent van Gogh. Por vezes, as projecções são mesmo acompanhadas de sons e efeitos visuais em que as pinturas rodopiam pelo espaço de exposição “rodeando o visitante que flui através do centro dos floreios coloridos do artista”. Assim, basicamente, pode ter uma projeção de um Nenúfar de Monet a dançar à volta da sua cara 😊
Outra afirmação é que permitirá aos visitantes “compreender melhor o impressionismo” e eu pergunto-lhe educadamente como? Normalmente, o foco destas exposições é a experiência visual (cores, luzes e efeitos especiais de algum tipo) e não o lado informativo ou educacional, uma vez que não fornecem muita informação adicional que contextualize o artista ou o movimento artístico a ele associado. Na maioria das vezes, existem pequenos textos de parede ou monitores à entrada que apresentam breves biografias dos artistas e listam as suas obras mais importantes, mas não muito mais do que isso. O objetivo destes espectáculos é o puro entretenimento, transformando uma exposição de arte numa experiência de Disneylândia. Pretendem responder às necessidades dos consumidores de experiências de grande impacto e altamente fotográficas que proporcionem conteúdos partilháveis, reflectindo uma mudança cultural no sentido da instagramização da arte. O objetivo é divertir-se e publicar fotografias nas redes sociais.
Num artigo muito interessante de Alex Fleming-Brown em Vice intitulada ‘Immersive Art Exhibitions Are Everywhere and They’re Awful’ (pode ver que ele gosta tanto quanto eu), escreve: “A nova arte imersiva também reflecte a ascensão das tecnologias digitais de consumo e os comportamentos e expectativas que elas cultivam” e está certo dessa afirmação. O surgimento de espaços de exposição pop-up, como o Museu do Gelado ou o Happy Place, é também um reflexo desta necessidade de ir a locais fixes, promovidos pelas redes sociais, cujo espaço é construído com base num design que pode ser Instagramado.
Fleming-Brown cita também Janet Kraynak e o seu livro A arte contemporânea e a digitalização da vida quotidianapublicado em 2020, no qual defende que o museu, “em vez de ser substituído pela Internet, está cada vez mais a ser reconfigurado depois dela”. “Estes espaços tratam os visitantes como se fossem “utilizadores” de um produto de consumo e, por isso, vão ao encontro das suas preferências, criando ambientes “agradáveis e não conflituosos” e dando ênfase à interatividade. A autora sugere que, em vez de se esforçarem por ser locais de pedagogia, os museus estão a tornar-se “indistinguíveis de qualquer número de locais e experiências culturais, uma vez que todos se tornam veículos para a entrega de ‘conteúdos'”. A resposta a esta exigência de “conteúdo” é criar estas exposições imersivas pop-up que são menos desafiantes e interessantes.
Passando a outro artigo de Sabine Oelze, que escreve: “Um espetáculo deslumbrante de cor, luz e som torna as grandes obras de arte de Salvador Dali ou Wassily Kandinsky acessíveis a todos”. Bem, tenho dificuldade em aceitar a utilização da palavra “acessível”, pois não percebo como é que o fazem. Se acessibilidade significa decompor o contexto histórico ou a informação técnica para que seja facilmente compreendida, bem… eles quase ignoram a sua existência, por isso não lhe chamaria acessível. Se está a referir-se à venda de bilhetes… a maioria destas exposições é mais cara do que muitos museus europeus, alguns dos quais até têm a exposição permanente acessível gratuitamente, como a Tate Modern ou a National Gallery em Londres. Para “Monet: The Immersive Experience” em Cincinnati, EUA, o preço da entrada normal varia consoante os dias da semana, mas num domingo custa 42,90 dólares por pessoa, enquanto um bilhete de entrada normal para o MoMA custa 25 dólares para um adulto. A entrada completa no Musée d’Orsay, em Paris, que alberga uma das melhores colecções impressionistas do mundo, custa 16 euros.
Podemos também considerar “acessibilidade” como a disponibilização da obra para ser vista em todo o mundo. A deslocação de uma obra de arte de um museu para outro tem, de facto, enormes custos de transporte e seguro e restrições de conservação, o que dificulta a deslocação constante de obras-primas de artistas como Frida Khalo, Monet ou Dali. E também é verdade que não são muitas as pessoas que podem viajar para a Europa para visitar museus. Mas o meu problema aqui é com a afirmação de que, com estes projectos imersivos, as pessoas têm acesso a ver estas obras de arte ao vivo, o que não é verdade. Os visitantes têm acesso a uma projeção de baixa/média qualidade das obras de arte pagando um preço elevado. Se o objetivo é ver uma reprodução de uma obra de arte, pode sempre visitar o sítio Web do museu ou o Google Arts Project para encontrar reproduções gratuitas de alta qualidade, o que lhe permite ver todos os pormenores da pintura e fazer o zoom que quiser. Isto é A obra de arte na era da reprodução mecânica (o famoso livro de Walter Benjamin) em esteróides. O que distingue uma obra de arte é a sua singularidade e a aura irreproduzível que rodeia o original e é por isso que se paga para entrar num museu: para ver obras-primas únicas produzidas por génios. Aqui é apenas a projeção, portanto uma reprodução a uma escala que nem sequer é comparável com o original. E consegue sequer ver a textura? Os pormenores das pinceladas? A pátina ou alguma craquelure? Consegue sequer sentir essa consciência estética neste ambiente imersivo? Porque recriar peças originais com um projetor e uma parede em branco não faz muito em termos de estimulação sensorial. Ou será que desperta todos os sentidos só porque é maior e está à sua frente?
Então, o que explica o seu sucesso? Nos Estados Unidos, é atribuído à série da Netflix “Emily in Paris”, que retrata uma jovem profissional de marketing americana que se muda para Paris em busca de baguetes, vinho e seguidores nas redes sociais. Na primeira temporada do programa, que foi ao ar no final de 2020, a protagonista visita “Van Gogh, Noite Estrelada”, uma experiência imersiva no L’Atelier des Lumières, e o interesse por experiências semelhantes explodiu depois disso. A personagem principal foi criada para ser um ícone da moda e uma influenciadora das redes sociais num programa altamente visual, pelo que é natural que as pessoas na vida real se identifiquem com ela.
Hoje em dia, a influência das redes sociais é tão forte que, no sítio Web da exposição “Immersive Klimt Revolution”, há um apelo aos influenciadores das redes sociais: “Adora experiências únicas e inesquecíveis? Está à procura de espalhar conteúdos sociais surpreendentes e estimulantes enquanto ganha fantásticos brindes? Veio ao sítio certo! Pode ser um influenciador da Immersive Klimt Toronto? Tem, pelo menos, 2 000 seguidores em todas as contas de redes sociais. Está disposto a criar conteúdo exclusivo e de alta qualidade para promover o Immersive Klimt? Gosta de participar em eventos. Se estiver interessado e cumprir os nossos requisitos, candidate-se!”. Alguns museus “tradicionais” estão a utilizar influenciadores das redes sociais para promover as suas colecções e, se o trabalho for bem feito, não tenho nada contra essa técnica de marketing, mas aqui parece que está apenas a oferecer bilhetes em troca de algumas fotografias bonitas no seu perfil.
Os museus estão muitas vezes associados ao tédio. Deve estar quieto, há muitas coisas para ver que não compreende e a experiência é passiva e acaba muitas vezes com os olhos doridos e o cérebro cansado por tentar absorver rapidamente uma grande quantidade de informação. Pelo contrário, as experiências artísticas imersivas são vendidas como sendo divertidas e emocionais. As pessoas podem e devem experimentar a arte como quiserem e lhes apetecer e não tem certamente de ser uma experiência aborrecida, pois há muitas formas de tentar torná-la mais acessível a outros públicos fora da esfera da arte tradicional. Mas o meu problema com estas exposições imersivas é que ganham muito dinheiro enquanto tentam vender ao público uma experiência falsa baseada em premissas falsas. É puramente um golpe de marketing.
